Acercarnos al lenguaje artístico con sus obras más relevantes, es impulsar nuestra cretividad, es comprender otras formas de pensamiento y de entender la vida en las generaciones pasadas. El Arte es para disfrutarlo. Pocas disciplinas nos abren tantos espacios para el deleite de los sentidos, como ésta.

17 sept. 2012

DERINKUYU: la misteriosa ciudad subterránea de Capadocia


 La región de Capadocia (península de Anatolia en Turquía) se situaba históricamente en una encrucijada de las rutas comerciales Europa-Asia y por ello sufrió diversas invasiones, de ahí que sus habitantes construyeran verdaderas ciudades subterráneas.  . De ellas hablaba el historiador griego Jenofonte. En su obra Anábasis explicaba que las personas que vivían en Anatolia habían excavado sus casas bajo tierra y vivían en alojamientos lo suficientemente grandes como para una familia, sus animales domésticos y los suministros de alimentos que almacenaban. De todas ellas, la más profunda es Derinkuyu  y la más extensa de toda Turquía es Kaymakli                                             

En 1963, un habitante de Derinkuyu, derribando una pared de su casa-cueva, descubrió que detrás de la misma se encontraba una misteriosa habitación que nunca había visto; esta habitación le llevó a otra, y ésta a otra y a otra… Por casualidad había descubierto la ciudad subterránea de Derinkuyu, cuyo primer nivel pudo ser excavado por el imperio hitita alrededor del año 1400 a.C.
Los arqueólogos comenzaron a estudiar esta fascinante ciudad subterránea abandonada. Consiguieron llegar a los 40 metros de profundidad, aunque se cree que tiene un fondo de hasta 85 metros. En la actualidad se han descubierto 20 niveles subterráneos. Sólo pueden visitarse los ocho niveles superiores; los demás están parcialmente obstruidos o reservados a los arqueólogos y antropólogos que estudian Derinkuyu.

La ciudad fue utilizada como refugio por miles de personas que vivían en el subsuelo para protegerse de las frecuentes invasiones que sufrió Capadocia, durante los diversos períodos de ocupación y también, por los primeros cristianos. Los enemigos, conscientes del peligro que encerraba introducirse en el interior de la ciudad, por lo general intentaban que la población saliera a la superficie envenenando los pozos.

Estructura
El interior es asombroso. Derinkuyu fue sufriendo dramáticos cambios a lo largo de su historia. Sobretodo en la era Bizantina, en la cual se agregaron unas considerables puertas de piedra para cerrarla desde dentro e impedir el acceso exterior. Las galerías subterráneas de Derinkuyu (en las que hay espacio para, al menos, 10.000 personas) podían bloquearse en tres puntos estratégicos desplazando puertas circulares de piedra. Estas pesadas rocas que cerraban el pasillo impedían la entrada de los enemigos. Tenían de 1 a 1,5 metros de altura, unos 50 centímetros de ancho y un peso de hasta 500 Kilos. Además, Derinkuyu tiene un túnel de casi 8 kilómetros de largo que conduce a otra ciudad subterránea de Capadocia, Kaymakli.
En los niveles recuperados se han localizado establos, comedores, una iglesia (de planta cruciforme de 20 por 9 metros, con un techo de más de tres metros de altura), cocinas (todavía ennegrecidas por el hollín de las hogueras que se encendían para cocinar), prensas para el vino y para el aceite, bodegas, tiendas de alimentación, una escuela, numerosas habitaciones e, incluso, un bar.
La ciudad se beneficiaba de la existencia de un río subterráneo; tenía pozos de agua y un magnífico sistema de ventilación (se han descubierto 52 pozos de ventilación) que asombra a los ingenieros de la actualidad.
Sorprendentemente, gracias a sus fuentes y depósitos internos de comida, la ciudad podía acomodar cómodamente a 3.000 personas; pero si una crisis se desataba en el exterior, se cree que podía llegar a ser ocupada por 50.000.
 

Hipótesis sobre su  existencia
El desconcierto de los historiadores es más palpable. Si bien hasta cierto punto hubo razones históricas para su construcción, no se llega a entender cómo se llegó a desarrollar el lugar hasta esos límites y con qué propósito. El científico Andrew Collins, experto en civilizaciones perdidas, apunta que un reciente estudio demuestra que las zonas más antiguas son más altas que las inmediatamente inferiores, y propone una teoría que desmonta la historia del lugar. Según Collins, las estancias más longevas se habrían construído en el 9000 a.C. por los primitivos pobladores del lugar, mucho más altos que el hombre actual y que habrían excavado en la tierra para protegerse de la última era glacial que azotó duramente aquella zona durante unos 500 años. Todo ello explicaría la completa organización y composición de Derinkuyu y aclararía sus inicios. Además, no deja de ser curioso que esos lugares sean la cuna del mito de Shambalah, que reza la existencia de centenares de ciudades subterráneas que se expandirían por todo el continente asiático. De hecho, hoy en día se conocen 36 ciudades subterráneas por toda Turquía, las cuales pudieron albergar a 1.200.000 personas, lo que da más veracidad al mito.

 Imagen de Göreme (Capadocia)
Capadocia sigue alimentando el asombro con las llamadas Chimeneas de Hadas del pueblo de Göreme. Estas extrañas elevaciones puntiagudas son como altas columnas modeladas por la erosión y provistas de una roca superior, como sombrero. El nombre actual Göreme significa “no dejes de ver”, dicho por los nativos a los forasteros. En sus paredes de roca  porosa se fueron construyendo a lo largo del tiempo cientos de viviendas, capillas e iglesias

Kaymakli es una ciudad subterránea construida debajo de una colina. Sólo los cuatro primeros pisos están abiertos a los visitantes y provistos de luz eléctrica, se llega hasta 15 o 20 m de profundidad.
El lugar era un refugio seguro y además le permitía practicar la fe, para lo cual construyeron iglesias dotadas de cúpulas sobre columnas y pinturas en la piedra de personajes y episodios de los Evangelios. Los colores permanecen fieles, por la sequedad del clima y la oscuridad del subterráneo.
Las investigaciones arqueológicas probaron que las habitaciones habían sido excavadas de tal modo que ninguna vivienda tenía comunicación con las de otras familias.  ¿Cómo se pudo excavar estos habitáculos? Posiblemente se iniciaba la excavación de las chimeneas de ventilación con una profundidad de hasta 70 y 85 m. A continuación se excavaban las galerías laterales que constituían las calles de la ciudad. Los pozos se excavaban hasta que hubiese agua y utilizaban las chimeneas de aire, para sacar los escombros por medio de poleas. Dichos escombros en la superficie habrían contribuido a los naturales desniveles de Capadocia o bien arrojados a los ríos habrían desaparecido con el tiempo. De las chimeneas de ventilación obtenían el aire imprescindible para respirar. La iluminación se realizaba por medio de lámparas de aceite. 

 La razón principal que hizo posible la excavación de Kaimakli y otras ciudades subterráneas de Capadocia, la constituye la piedra volcánica blanda. Mezcla de ceniza y barro consecuencias de la erupción de dos volcanes.
FUENTES DE TEXTO E IMÁGENES: http://www.carlosmesa.com/derinkuyu/

14 ago. 2012

Machu Picchu

Declarada esta ciudadela patrimonio de la humanidad por la Unesco en 1983. Considerada una de las siete maravillas del mundo, según los expertos demasiados turistas la visitan. Para documentarse a fondo:
 Piedras a la altura de los gigantes  EL PAÍS 2/8/2008
 Camino a Machu Picchu  EL PAÍS 24/7/2011
Camino del Inca a Machu Picchu  (ver vídeo en National Geographic channel)

5 ago. 2012

Visiones de WILLIAM BLAKE

El gran artista inglés participa del Olimpo de las artes visionarias con Piranesi y Fuseli.
Calificado como religioso y esotérico, el maestro britániconació en 1757, en pleno Siglo de las Luces bajo el imperio de la razón y la ciencia, William Blake, en cambio, desarrolló una obra pictórica salida de su imaginación, un universo mítico único a caballo entre la religión y el esoterismo, donde las fuerzas del bien y del mal colisionan entre sí en eterno conflicto.

 Ver en prensa 20minutos.es 4/7/2012  Visiones de William Blake   
Blake sintió una gran fascinación por Rafael, Durero o Miguel Ángel, cuya influencia está muy presente en la anatomía musculosa de sus figuras humanas y el carácter narrativo de sus obras, muy próximo a la Capilla Sixtina.
Su obra más famosa fue la ilustración de El Paraiso perdido de Milton
lleno de Ángeles demonios y figuras místicas, así como ilustraciones de la Biblia.



Ver resumen de su trayectoria artística en  Exposición en Caixa Forum  4/7/2012

Artistas visionarios: PIRANESI (1720-78)

 Iniciamos una capítulo sobre los grandes pintores visionarios  que abren el arte de la Edad Contemporánea. Sus predecesores serían El Bosco y Arcimboldo.

El italiano Giovanni-Battista Piranesi (1720-1778) fue uno de los dibujantes y grabadores más importantes del siglo XVIII. La técnica, la intensidad y el poder evocador de su obra han tenido influencia posterior en artistas románticos, surrealistas y cubistas. Sus grabados de cárceles imaginarias inspiran, todavía hoy, decorados cinematográficos. Sus vistas de Roma son únicas y recogen la herencia de los vedutistas italianos como Gaspar Van Vittel y Canaletto. Sus atrevidas tridimensionalidades le convirtieron en un artista visionario dentro de los grandes como William Blake y Fuseli
 La Fundación Cini afirma de su personalidad:
 “Fue una figura crucial para la formación del gusto del siglo XVIII”, detalla. “Y anticipó, con sus métodos de trabajo, el papel de los arquitectos y diseñadores de la actualidad. La magnitud colosal de sus vistas y panoramas, así como el contraste entre el espíritu visionario y la ejecución realista de cada una de sus láminas, hacen de los grabados de Piranesi una lección permanente de Arte y de Ciencia

Roma desde el buril de Piranesi     EL PAÍS 18/6/ 2011 nos muestra al artista como el primer autor de postales de recuerdo
Galería de fotos
Recorrido interactivo por sus facetas como arquitecto, grabador, anticuario y diseñador en  Las artes de Piranesi en Caixa Forum   
El visionario por Mario Vargas Llosa  EL PAIS 6/5/2012
Piranesi y las pesadillas de la razón   por Fietta Jarque  en Blogs El PAÍS .com 25/4/2012

3 abr. 2012

Jacques Callot versus Goya

Más de un siglo distancian las Miserias de la Guerra vistas por el francés Callot y la serie de Los desastres de la guerra  que Goya estampó con sus planchas en su álbum de grabados. El horror y la rapiña en su máxima extensión siguen orquestando la aparición del eterno jinete apocalíptico.

30 mar. 2012

OCCIDENTE MIRA AL GRAN PINTOR CHINO ZHANG DAQIAN (1899-1983)

Leer más en El pintor chino que noqueó a Picasso EL PAIS 25/2/2012

Zhang Daqian (Neijiang, Sichuan, 10 de mayo de 1899 - Taipei Taiwan, 2 de abril de 1983),

Sobre la pintura china Xie Yi (Xie significa "escribir" y Yi "significado") ya indicó Zhang Daqian que es el arte de sacar el espíritu de los seres. Su evidente espontaneidad entra en comunión con el Impresionismo, pero sólo una buena obra sale del interior del artista después de una larga experiencia

 Uno de los más cotizados y prodigiosos chinos artistas del siglo XX. Originalmente conocido como Guohua (pintor tradicionalista), Zhang está considerado como uno de los talentos que han forjado la plástica pictórica del siglo XX

                                                                      

Nacido en una familia de artistas en China, ésta le animó a seguir la senda de la pintura y la caligrafía y en 1917 marchó a Japón con su hermano mayor para aprender técnicas de color. Estudió técnicas sobre el teñido de textiles, en Kyoto y volvió a Shangai para trabajar con dos famosos expertos en pintura y caligrafía de la época. Conoció allí a los grandes maestros clásicos de la tradición pictórica china, una de las pasiones de su vida, hasta el punto de que se hizo coleccionista de cientos de obras de las dinastías Tang a Quing. Asimismo se dedicó a copiarlos e hizo cuadros falsos imitando sus técnicas; sus primeras copias de Shitao engañaron incluso a los especialistas. Reprodujo flores de loto hasta la saciedad como las muestras que ofrecemos

    

 Salió de China a finales de los años 40 y recorrió medio mundo -Argentina, São Paulo y California- perfeccionando su estilo, antes de asentarse finalmente en Taipei (Taiwán). En la década de 1950 empieza a desarrollar un problema en la vista y se pone a trabajar en sus características “pinturas salpicadas”,. Esta técnica le convierte en un pintor moderno en comunión con las formas de los pintores impresionistas franceses y próximas al Expresionismo Abstracto de Jackson Pollock. Sin embargo son obras únicas llenas de colores misteriosos y contornos ambiguos, cuya fuente de inspiración se hallaba -según sus propias palabras- en el maestro clásico Wang Mo. Excepcional y prodigioso fue su virtuosismo en el medio de la tinta china y el color. Su producción abarcó una amplia gama, desde las mencionadas reminiscencias de los maestros antiguos hasta las innovaciones de sus últimas obras que conectan con el lenguaje del arte abstracto occidenta,l donde el objeto se diluye entre la atmósfera del espectador y el propio soporte. Zhang mostró una atención escrupulosa con los materiales que utilizaba. Estudió el papel, tinta, pinceles, pigmentos, los sellos y la propia pasta de sello. Trazaba siempre una breve inscripción en sus pinturas; a veces tenía también una posdata que describía el tipo de papel, la edad y el origen de la tinta, o la procedencia de los pigmentos que había utilizado


Autumn leaves and bird

  
En 1956 visitó a Pablo Picasso en Antibes (Francia). Este lo reconoció como el mejor pintor de Oriente e intercambiaron cuadros. Fue vista como la cumbre máxima entre los maestros más prominentes del mundo oriental y el arte occidental.
Las famosas falsificaciones de Zhang son difíciles de detectar por su capacidad para imitar a los grandes maestros chinos y han sido adquiridas como pinturas originales en varios museos de arte; los más importantes de los Estados Unidos, incluyendo el Museo de Bellas Artes de Boston

Early snow


Se le compara a veces con Jackson Pollock por las “pinturas salpicadas”, incluso influidas por el Expresionismo Abstracto americano. Pero basta observar sus obras con atención. O mirar uno de sus retratos más reproducidos, donde se le ve como a un bello anciano de larga barba blanca, sosteniendo en la mano, mientras dibuja absorto, el pincel, instrumento esencial para la pintura y la caligrafía. Entonces se comprende que antes que expresionista Zhang Daqian (1899-1983) es un pintor tradicional chino, uno de los más sobresalientes y admirados en su país.



WU GUANGZHONG: PADRE DE LA PINTURA MODERNA CHINA


Wu Guanzhong (1919-2010) se erige como uno de los 
artistas más importantes de la China del siglo XX. Nacido en la provincia de Jiangsu, Wu estudió arte en la Academia Nacional de Arte de Hangzhou (hoy Academia China de Arte) y desde 1947, en París, en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Regresó a China después de tres años y dio clases en la Academia Central de Bellas Artes de Beijing. Sus obras fueron condenadas antes y durante la Revolución Cultural (1966-1976) porque sus pinturas al óleo no se ajustaba a los intereses políticos de la época.  Como le pasó a otros muchos intelectuales de su época, fue perseguido durante ese periodo de terror y violencia lanzado por Mao para refrescar el espíritu revolucionario y purgar a sus rivales políticos. En 1972 fue enviado a trabajar al campo y solo se le permitió pintar los días de fiesta 
A pesar de ello continuó pintando y sus obras llegaron a ser célebres dentro y fuera de China.  Wu Guanzhong creó obras que encarnan muchos de los grandes cambios y tensiones en el siglo XX  chino de sensibilización con preguntas sobre el individualismo, el formalismo, y la relación entre el modernismo y las tradiciones culturales.
Guilin
Supo fusionar la técnica de la tinta china con los métodos occidentales, en especial en sus óleos en blanco y negro, lo que le granjeó un lugar entre los pintores de su generación y le situaría como modelo de inspiración para muchos artistas de su país. En 1992, cuando tenía 73 años, se convirtió en el primer pintor chino vivo en mostrar sus cuadros en el Museo Británico de Londres. También fue creador de obras que son fundamentalmente diferentes de la tradición, sobre todo en su uso de colores brillantes en dibujos de la naturaleza que Wu observó durante sus viajes a través de China (bocetos y pinturas de la década de 1970 a 2000 que trazan su constante reflexión sobre la tradición y la experimentación).
 En su último período paisajístico la pintura de Wu se hizo más y más abstracta. La mayoría de estas obras son de después de 1990 y muestra la intención de representar los estados del ser, emociones y conceptos sobre la representación más realista. A este respecto, ha dicho: "Quiero expresar las transformaciones en el espacio y el tiempo que se producen en mi mente. Las muchas formas que veo con mis ojos inspirar las transformaciones impredecibles que aún no he visto ".
East and West

FUENTES: Exposición 2012 en Asia Society Museum New York  Leer más
EL PAIS 3/8/2010 Leer más

Él mismo manifestaba en sus escritos y anotaciones sobre sus cuadros
 "La relación entre la apariencia y la no apariencia-de hecho es la misma que la relación entre el concreto y abstracto. Dentro está la cuestión de la armonía o el conflicto entre lo abstracto y lo concreto....."Los elementos fundamentales de la belleza formal comprenden la forma, el color y el ritmo. Pintura al óleo y tinta son dos hojas de un mismo par de tijeras para cortar el patrón de un nuevo traje  para la modernización de la pintura china:., en mi opinión se trata de dos lados de un mismo rostro ".
"Pincel y tinta es mal interpretado como la única opción para la vida y la trayectoria futura de la pintura china, y las normas de la pintura de pincel y tinta se siguen utilizando para juzgar si una obra es buena o mala. Pincel y tinta es una simple técnica de pinceladas y la técnica es sólo un medio que sirve al artista en la expresión de sus emociones ".
Cascadas

29 mar. 2012

El LEONARDO "PERDIDO"

A inicios del siglo XVI, dirigentes de Florencia encargaron a Leonardo, entonces en el momento álgido de su carrera, pintar un enorme fresco que celebrara la victoria de la República de Florencia sobre los milaneses en una batalla en las llanuras de Anghiari que tuvo lugar el 29 de junio de 1440.
    Leonardo, que calificaba la guerra como "la locura más bestial", dibujó un grupo de caballos y jinetes combatiendo con fiereza. Durante 500 años se le llamó el fresco de La batalla de Anghiari
    Abandonó el proyecto un año después de empezar, probablemente porque una técnica experimental para los frescos no tuvo éxito. Pero parte de sus estudios preparatorios se han conservado, además de las copias de otros artistas del fresco original.
    Todos los restos del original se perdieron más de 50 años después cuando Giorgio Vasari renovó la gran Sala dei Cinquecento en el florentino Palazzo Vecchio y se le ordenó pintar otro fresco, La batalla de Marciano, para cubrir las paredes de mayor altura.
    Algunos creen que Vasari no soportaba destruir una obra de Leonardo, por lo que construyó una nueva pared con un pequeño espacio de aire para preservar lo que quedaba de la obra de Da Vinci

 Rubens copia de La batalla de Anghiari
Leer más en   Wikipedia y en EL PAIS 12/3/2012